[名家欣赏] 世界摄影名作赏析（7—9）

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发表于 2021-3-29 19:29 |显示全部楼层

编者按：《名家欣赏》版，在2021年进行改版。新的版面内容：将根据不同时期的著名摄影师及其著名代表作的背景、年代特点、拍摄技术等进行赏析。拍摄年代将由远而近且有序的进行，串联起一部世界摄影的发展史。更能清晰的了解在世界摄影史上，不同时期的著名摄影师的特点和作品的特色。《名家欣赏》每月每期将推出三位著名摄影师及其著名代表作品进行赏析。赏析文章，从国内著名的摄影史研究专家的文章上摘录。为使鸟友们在工作或生活及拍鸟之余，有一个快速浏览的时间，每段内容力求短小精悍，在了解世界摄影史上各个时期的著名摄影师及其代表作的同时，了解世界摄影发展史的概况。

世界摄影名作7 ——“纯摄影”理念的成功实践
《盲妇》保罗·斯特兰德

（拍于1916年）

《盲妇》与保罗·斯特兰德的介绍：
出生于美国纽约中产家庭的保罗·斯特兰德，12岁的时候就拥有了一架照相机。在纽约伦理文化中学读书时的级任导师正是报道摄影大师路易斯·W.海因。海因在当时已经算是摄影界的元老，他经常带学生去参观著名的“291摄影画廊”。斯特兰德就是从那时开始接触“摄影分离派”的作品及创作理念的。
“摄影分离派”是艾尔弗雷德·施蒂格利茨倡导并创建的。主要由美国画意摄影家组成的一个松散组织，它的宗旨是：“……将那些献身于画意摄影的人组织起来，通过努力使人们认识到画意摄影不是艺术的陪衬，而是表达个人的一种独特手段。”这个组织的发起者不乏当时大师级人物，比如：爱德华.斯泰肯、阿尔文·兰登·柯伯恩、弗兰克·尤金等。
海因潜移默化的引导，使斯特兰德越来越觉得摄影就是自己一生所追求的事业。后来海因把他介绍给施蒂格利茨，在施蒂格利茨的画廊里欣赏到了许多绘画及摄影大师的作品，从中汲取了不少的营养，为他日后在摄影领域的发展埋下了伏笔。也正是从那时候起，纪实摄影与纯摄影这两种完全不同创作理念的思维方式在斯特兰德身上获得了最完美的结合。他一生拍摄的题材包罗万象，涉及范围极广，肖像、风光、静物、花草等几乎无所不拍，好像任何景物都能激发他的灵感。斯特兰德最终成为了“直接”摄影的新现实主义的拥护者。他身体力行在理论上为”直接”摄影振臂高呼，他认为：“纯正的摄影方法就是直接的摄影的方法，所谓纯正就是视觉强度，它是生动表现的先决条件，他要求不带有任何制作和控制的痕迹。”他主张最大限度地发挥摄影的特长，把人们的注意力从画意摄影家制造的梦幻世界拉回到现实生活中来。
《盲妇》是斯特兰德 1916年拍摄的，这幅拍自纽约街头的画面，让我们认识了一位在昏暗角落里卖报的盲妇，她那黯淡无光的“眼神”和欲哭无泪的表情，诉说着她所经历的痛苦和磨难，坚硬冰冷的墙面无法成为它生存的依靠……从她的身上我们看到了当时美国社会最真实的一面。斯特兰德充分运用了摄影独有的方式，诠释了一个值得关注的社会问题。这张照片对于社会产生了极大的震动，在摄影界也产生了深远的影响。摄影家沃克.伊文思看到《盲妇》以后受到启发，他说斯特兰德的这张照片，使他彻底改变了发展趋向。《盲妇》原作后来被纽约美术馆收藏。
斯特兰德坚决地摆脱了19世纪那种“柔焦”的浪漫主义创作思想。他创造了通过镜头看世界的新方法和新视点。他的这种方式是借各种载体——脸孔、服装、动作、机械、房屋等人为产物，以及在那些未经修饰的自然里去寻找生命的真谛。他对于社会写实主义摄影一直都有自己的一套哲学，他把他的这种创作理念称之为“有机写实主义”。这种观点使他形成了独到的个人风格。他把写实主义理解为一种动态地观看与解读世间事务的真理，而它则赋予我们改变世界的能力。

《盲妇》作品摄影师：保罗·斯特兰德的介绍：

（1890-1976年）
保罗·斯特兰德：生于美国纽约,父母为波希米亚—犹太人的后裔；曾在摄影家海因执教的纽约伦理文化学校学习，其间受海因的影响，开始接触摄影；17岁时经海因介绍与摄影家艾尔弗雷德.施蒂格利茨结识，并了解了摄影分离画廊；1909年毕业后成为一名独立的商业摄影师，开始实验柔焦镜头的创作和画意派风格摄影的创作；1915-1917年间与施蒂格利茨频繁交流，创作出一批清晰聚焦的作品，深受施蒂格利茨的赞扬，并在他的291画廊中展出；一次世界大战期间曾担任陆军的X光技师；1921年成为自由职业电影摄影师，专门拍摄体育与医学电影； 1925年开始主要拍摄植物和自然形态题材的照片；20世纪30年代到40年代初主要从事电影制作并为其《墨西哥代表作选》收集图片；“二战”后继承父亲遗产并迁居欧洲，继续从事自己喜爱的摄影艺术。20世纪50年代到60年代曾赴法国、意大利、埃及等国旅行，拍摄了许多经典照片；作品曾在纽约现代艺术博物馆、费城艺术馆展出，并多次获得重要的奖项：1976年在法国的家中去世。

世界摄影名作8 ——讴歌那些应予以赞赏的
《蒸汽机装配工》路易斯·W.海因

《蒸汽机装配》与路易斯·W.海因的介绍：
路易斯·W.海因是一个专注于社会改革的摄影家，照片以极佳的影调效果而闻名于世。他的许多重要作品都拍自当时正在新兴崛起的厂矿企业和工棚厂房，还有象征着工业革命的大型项目施工现场。海因的镜头关注的是那里的劳动者、手工业者、童工，以及恶劣的工作条件、超长的劳作时间、难以承受的工作强度等一切由于工业文明带来的不文明现象。由于他把许多反映进步与改革运动的重要事件和人物摄影相结合，所以他的作品就能够吸引公众的视线，并引起各方面的注意，最终导致正确的秩序和法规被建立起来。
比如他从好几个方面报道了当时十分严重的童工现象，先是引起了社会各方面的重视，后来经过多方努力问题终于得到了解决——美国国会修改了劳动法，严格限制使用童工。海因在拍摄那些童工照片的时候，做梦也想不到照片的力量会有这么大。它反映童工的代表作品有《工厂里的女孩》、《碎煤童工》、《卖报童》等。
随着第一次世界大战的结束，世界也发生了巨变。海因感到原先创作中的政治使命和动机似乎已经不复存在，他开始有些相信，无论正确与否，工业文明都是不可避免的，而且可能会给人类带来好处，所以从此以后的创作风格转向了正面向上的倾向。《蒸汽机装配工》就是那个时期的产物。在这幅经典的工业作品中再也看不出以往海因作品里那种昏暗、低沉的影调；画面光线造型十分讲究，构图中规中矩，画面富含寓意和细节；强烈的金属质感与人物皮肤形成鲜明的对比；而在这个庞然大物面前主人公做出低头弯腰的姿势显得有些软弱无力，不过从他的面部表情我们还是看出了一丝坚毅和尊严；从他健壮的体魄和结实的肌肉上我们多少可以找回一点人类的自信。
《帝国大厦的建设》以及一系列反映工业建设题材的照片是海因转型后的代表作，后来编成画册《劳动中的人们》，那些作品都是海因改变了对工业文明的态度以后拍的，里面没有揭露、没有批判，而是直截了当地讴歌了人类的进步文明和英雄主义。他此时的作品虽然看上去缺乏转型前的那种内涵和震撼，但毕竟是反映了一个时代的发展。海因一生干过不少行当，供过职的地方有家具厂、服装店、银行等，还在一所学校里教过书，这些无疑使他对于现实生活有了更深刻的体验和理解，为他后来创作理念的形成起到了关键性的作用。
海因一生的成就是有目共睹的，无须赘述。从最初拍摄的童工现状再到工人建设高楼大厦的英雄写照，可以看出海因的责任感和使命感。他把摄影作为了一种传播工具，以此表达对社会各界弱势人群的支持和帮助。作为社会纪实摄影的早期代表，海因是怀着崇高的信念拿起相机的，他一开始就为自己确定了一个宗旨—揭露那些应予以纠正的，讴歌那些应予以赞赏的。海因为此付出了毕生的心血。有位名人是这样评价他的：“对于海因来说，正直并仅意味着摄影手法的纯洁，同时也表明对于亲眼所见的事实打算承担的责任。”

《蒸汽机装配工》作品摄影师：路易斯·W.海因的介绍：

(1874-1940)
路易斯·W.海因：生于美国威斯康星州。曾在芝加哥大学读书；1901年在纽约道德文化学校教书，并开始接触摄影； 1904-1908年拍摄被安置到埃利斯岛的移民生活；1909年开始作为自由摄影师为美国童工委员会工作，拍摄了许多美国童工悲惨遭遇的照片，这些纪实照片引起公众的重视；1918年加入美国红十字会，并被派到欧洲战区采访拍摄饱受战争磨难的人民生活；1922-1929年被迫改变摄影创作的题材，进行艺术摄影和商业课题的实践；1930年拍摄了著名的《帝国大厦的建设》，两年后画册《劳动中的人们》出版；1933年出版关于工人的作品集《透过巨大的幽影》，并在世界博览会展出；20世纪30年代中期，无偿为罗伊.斯特赖克的农业安全管理局摄影项目工作；作品得到了摄影界的高度赞扬，并多次举办影展；1940年在美国纽约去世。

世界摄影名作9 —— 摄影家眼中的母亲
《母亲》亚历山大·罗德钦科

（拍于1924）
《母亲》与亚历山大·罗德钦科的介绍：
看一看这位老妇人爬满皱纹、饱经沧桑的脸，就可以猜想出她走过了多少艰难的历程，经受了多少千辛万苦，看到她会使我们想起自己的母亲。
《母亲》是苏联十月革命以后成长起来的摄影家亚历山大·罗德钦科的代表作之一。他是那个时期少有的被世界公认的摄影大师。当时的形势下许多照片都是千篇一律的纯记录性的，各种报纸杂志宣传画上见到的只能是雄赳赳气昂昂的战士、勤奋劳作的工人、农民……光是领导人阅兵、开会的画面就占去了报纸杂志很多重要的版面。那些只有形式没有内容的纯记录性照片，很难在世界摄影史上留下任何痕迹。在这种大环境下，唯独具有反叛精神并在风格上独树一帜的人才有可能去探索艺术的本质，才会成为真正的摄影艺术家。罗德钦科就是这样的人。
罗德钦科出身贫寒，年轻的时候当过画家和美术设计师，他是构成主义的先驱者之一。夸大扭曲的透视关系，倾斜的地平线，仰拍或俯拍的特殊视角成为罗德钦科作品的主要特征。而他的观点是要：“引导人们以全新的视点去看熟悉的事物”。他的这类作品《拿莱卡相机的女孩》、《舒可夫塔的哨兵》、《去旅行》、《打电话》等在世界上广为流传。然而当我们看了《母亲》这幅人像作品，会产生一些疑问——为什么画面构图与罗德钦科一贯的创作风格相差甚远呢？原来罗德钦科接触摄影比较晚，直到他31岁那年才有机会用照相机拍照，而《母亲》这幅作品是他开始学习摄影的两年后拍摄的。据说画面中的老妇人不是别人，正是他自己的母亲。
当时还是初学者的他，在拍摄之前着实动了一番脑筋。原打算让老人带着老花镜拍，但后来一想如果那样的话，很可能拍成一张平庸的形象，最后经过反复斟酌决定选择手拿眼镜的姿态，这样显得更加自然生动，绝不像在摆样子，就像是真实生活中一个小插曲，让人备感亲切。然而，从老人紧锁的眉头我们已经觉察出，她让这个初出茅庐的摄影师搞得不耐烦了。
罗德钦科是个多才多艺并且具有敢于创新精神的艺术家。他的作品所涉及的内容包罗万象。除了写实风格的还有暗房特技多次曝光的，西方国家就是通过一系列用蒙太奇手法制作的照片认识他的。他认为只有那些按照预想，从不同照片中搜集来的单一形象，在特定的场合下才有可能成为创意作品中的构成因素，然后把这些素材用拼贴的方法集中到一起构成一幅作品。这种逻辑在西方世界可能是被肯定的表现形式，而在当时的苏联却恰恰相反。由于他在摄影艺术方面的“奇谈怪论”和不符合潮流的创作风格，曾受到掌权者的严厉批判，一度使他不得不退出摄影圈重操旧业，拿起丢掉多年的画笔。在此之前他一直为发行量非常大的《苏联建设》杂志社工作，并为这个宣传性的期刊拍摄了大量新闻照片。
在他去世二十多年后的1976年，他的五十多幅经典照片在意大利的米兰和罗马展出。那次展出的照片包括了他拍摄的各种题材、各种风格的作品，让世界看到了一个全面完整的罗德钦科。

《母亲》作品摄影师：亚历山大·罗德钦科的介绍：

(1891-1956)
亚历山大·罗德钦科：生于俄罗斯的圣彼得堡。1902年移居俄东部地区的喀山，少年时期非常喜爱绘画，曾在喀山艺术学校、莫斯科的美术学校学习绘画；1915-1921年从事绘画、印刷、舞美设计和雕塑工作；1920-1930年在“高级技术与艺术学校”任教，其间受到达达派摄影风格的影响，从剪辑照片开始涉足摄影；并于1924年开始了自己独具特色的摄影创作。曾担任《左翼文艺》等杂志的摄影师兼记者，并出任莫斯科实用艺术学院金属制品系教授；1923-1928年为构成派艺术家的各种刊物做设计和编排工作，30年代开始拍摄体育、风光、舞蹈等题材的照片；1933年任《苏联建设》杂志摄影专题撰稿人；1935年重新拿起画笔；1942年停止了摄影创作，主要从事展览会设计工作；1956年12月3日在莫斯科病逝。